سيلفيا جويرا - لوحاتها


لتقديم أفضل خدمة ممكنة ، يستخدم هذا الموقع ملفات تعريف الارتباط. لمعرفة المزيد ، اقرأ معلوماتنا.
من خلال الاستمرار في التصفح أو النقر فوق موافق أو التمرير في الصفحة ، فإنك توافق على استخدام جميع ملفات تعريف الارتباط.

نعممعلومات عن ملفات تعريف الارتباط


20 لوحة لغوستاف كليمت

اليوم ، تم تخصيص رسومات الشعار المبتكرة من Google للرسام النمساوي غوستاف كليمت ، المولود في 14 يوليو 1862 في بومغارتن ، بالقرب من فيينا ، وتوفي في 16 فبراير 1918 في العاصمة النمساوية بسبب التهاب في الرئة ، خلال وباء الحمى الإسبانية الذي أودى بحياة الملايين من الناس. عبر أوروبا. يعتبر كليمت أحد أهم فناني تيار الفن الرمزي ، وكان أحد مؤسسي حركة انفصال فيينا ، وهي حركة ولدت في فيينا في نهاية القرن التاسع عشر من قبل الرسامين والمهندسين المعماريين والنحاتين ، الذين أرادوا أن يأخذوا الفن إلى أبعد من ذلك. الحدود التي وضعتها الأكاديمية.

من هو جوستاف كليمت
التحق غوستاف كليمت ، وهو ابن صائغ ، بمدرسة الفنون والحرف اليدوية في فيينا من 1876 إلى 1883. في السنوات التالية ، عمل مع شقيقه إرنست وصديقه فرانتز ماتش على سلسلة من اللوحات بتكليف من متحف فيينا لتاريخ الفن وصممها أستاذهم. في غضون ذلك ، التقى بما أصبح شريكه مدى الحياة ، إميلي فلوج.

في عام 1892 توفي والده ، وبعد فترة وجيزة ، توفي شقيقه. في نفس الأشهر ، كلف هو وفرانتس ماتش من قبل وزارة الثقافة أربع لوحات زخرفية لجامعة فيينا ، للاحتفال بالكليات التقليدية الأربعة: اللاهوت والطب والقانون والفلسفة. في عام 1890 قدم كليمت أول أعماله ، الفلسفة ، والتي تعرضت لهجوم شديد من قبل كل من الجمهور والنقاد.

ربما كان من تلك اللحظة أن بدأ غوستاف كليمت تفكيره في الفن وحرية الإبداع ، وهي الانعكاسات التي أدت إلى ولادة انفصال فيينا في عام 1897 مع زملائه من الفنانين الفيينيين الآخرين. كانت أهداف الحركة هي منح الفنانين الشباب فرصة العرض ، والتعريف بأفضل الفنانين الأجانب في ذلك الوقت في فيينا والترويج لقانونهم من خلال إصدار مجلة بعنوان فير ساكروم.

في السنوات الأولى من القرن العشرين ، عاش غوستاف كليمت أعظم لحظات الإلهام من خلال إنتاج بعض أشهر أعماله ("جوديث 1" عام 1901 ، "أعمار المرأة الثلاث" ، عام 1905 ، "بورتريه أديل بلوخ- Bauer I "، من 1907 ،" القبلة "، من 1907-1908 ،" Salomè and Giuditta II "، من 1909) ، وفي قلبها المرأة وموضوع الجنس. في نفس السنوات كرس نفسه لرسم الرموز ، ولكن أيضًا لإنشاء المناظر الطبيعية ، التي استلهمها من تقنيات الفنانين الانطباعيين. لم يتزوج كليمت أبدًا وكان معروفًا أنه رجل متحفظ للغاية ، على الرغم من أنه قيل إنه نام مع جميع النساء اللائي كن يصنعنه.

حريق قلعة إميندورف
ترتبط أيضًا واحدة من أكثر القصص الدرامية عن فقدان الأعمال الفنية في القرن العشرين بلوحات كليمت. استخدم النازيون قلعة Immendorf التي تقع في الجزء الشمالي من النمسا ، بفضل موقعها الجغرافي وحجمها ، كمستودع للأعمال الفنية.

من بين الأعمال التي تم الاحتفاظ بها هناك في نهاية الحرب العالمية الثانية ، كان هناك أيضًا بعض الأعمال الأكثر أهمية لجوستاف كليمت ("الأصدقاء" و "الفلسفة" و "الفقه" و "الطب" ، على سبيل المثال ، ولكن أيضًا " شوبرت البيانو "و" ميوزيكا 2 "). تم تدمير هذه الأعمال ، إلى جانب جميع الأعمال الأخرى ، بسبب حريق تسببت فيه وحدة من القوات النازية SS التي قررت ، بعد إعلان استسلام القوات النازية في النمسا - في 7 مايو 1945 ، اعتبارًا من اليوم التالي - لتمرير الليلة الأخيرة من الحرب في قلعة إميندورف.

كانت القلعة شبيهة بالقلعة الفرنسية على طول نهر اللوار ، بسقوفها المنحدرة والتحصينات الضخمة والمنتزه الكبير الذي كانت مغمورة فيه. نمت اللبلاب على الجدران ، وكانت في منطقة معزولة بالقرب من الحدود مع تشيكوسلوفاكيا: تم اختيارها كمخزن مؤقت للأعمال الفنية لإنقاذها من قصف فيينا. ثلاثة عشر لوحة رسمها غوستاف كليمت ، معروضة في الغرف.

جاء معظمهم من أكبر مجموعة خاصة من أعمال كليمت في ذلك الوقت ، وهي أعمال الصناعي اليهودي أوغست ليدرير. استولى النازيون على لوحاته في عام 1938 ، وبعد خمس سنوات ، على الرغم من إدانة النظام سيئة السمعة للفن المعاصر "المنحط" ، أقيم معرض لكليمت في فيينا. بعد المعرض ، تم تغليف اللوحات وشحنها إلى Immendorf.

يذكر تقرير ضباط الشرطة الذين حققوا في الحريق أنه في الليلة بين 7 و 8 مايو ، كان ضباط قوات الأمن الخاصة قد أقاموا طقوس العربدة في غرف القلعة حيث تم الاحتفاظ بالأعمال الحسية لفنان فيينا. في اليوم التالي ، قررت القوات الخاصة تدمير القلعة لمنع القوات الروسية من الاستيلاء على الأعمال الفنية من خلال احتلالها. وضعوا المتفجرات في الأبراج الأربعة للقلعة وغادروا. وأدى الانفجار إلى نشوب حريق استمر لعدة أيام أدى إلى تدمير كامل للمبنى والأشغال التي كان يحتويها.


سيلفيا رومانو ، هل خلقت نوعًا من المودة لخاطفيك؟

هناك من يتحدث عن نوع من متلازمة ستوكهولم من جانب سيلفيا رومانو ضد خاطفيها. هذا نوع من المودة. نشأ اشتباه بعد أن أعلنت زميلتها البالغة من العمر 25 عامًا أنها أصبحت من ممارسي الإسلام. وذكرت أن هذا الخيار نشأ في منتصف الطريق تقريبًا خلال اختطافها الطويل على أيدي جماعة الشباب الأصولية المسلحة. إنه خيار يجب فهمه ولكن لا يجب الحكم عليه. أعتقد أنه بعد فترة من الوقت ستحلل سيلفيا ما مرت به وستجري بعض التقييمات بعد ذلك ". تظهر متلازمة ستوكهولم في بعض الأحيان بدافع الخوف. خوفًا من القتل ، من عدم رؤية الأحباء وما إلى ذلك.

ثم ينتهي الأمر بالمختطفين إلى البحث عن حقائق جديدة ، وتحديداً في أولئك الذين يؤذونهم.


  • 1 سيرة ذاتية
    • 1.1 التدريب
    • 1.2 البدايات
      • 1.2.1 في مدريد
      • 1.2.2 في روما
    • 1.3 النجاح
    • 1.4 المرض والعلاقة مع كايتانا
    • 1.5 وحشية الرجل
      • 1.5.1 أنا أهواء
      • 1.5.2 كوارث الحرب
    • 1.6 السنوات الأخيرة
  • 2 الأسلوب والموضوعات
    • 2.1 الطريق الواضح
    • 2.2 الطريق المظلم
  • 3 يعمل
  • 4 أعمال مخصصة له
  • 5 مرتبة الشرف
  • 6 ملاحظات
  • 7 ببليوغرافيا
  • 8 البنود ذات الصلة
  • 9 مشاريع أخرى
  • 10 روابط خارجية

تحرير التعليم

ولد فرانسيسكو دي غويا إي لوسينتس في فوينديتودوس ، وهي بلدة ريفية مقفرة تقع بالقرب من سرقسطة (في أراغون) ، حيث استقر والداه في ذلك الوقت لأسباب غير معروفة ، في 30 مارس 1746. والده ، خوسيه بينيتو دي جويا فرانكي ، كان منشئ رئيسي من أصول الباسك البعيدة (كان أسلاف الرسام من الأب في الواقع من زيرين [1]) وكان بارزًا قبل كل شيء لأعماله في كنيسة نوسترا سينيورا ديل بيلار ، بينما كانت والدته ، غراسيا دي لوسينتيس إي سلفادور ، من ناحية أخرى ، تنتمي إلى عائلة سقطت من نبل أراغون. من هذا الاتحاد ، الذي تم إضفاء الشرعية عليه في عام 1736 بالزفاف ، ولد فرانسيسكو غويا كطفل رابع: كان إخوته ريتا (مواليد 1737) ، توماس (مواليد 1739) ، من المقرر أن يسير على خطى والده ، جاسينتا (مواليد 1743) ) وماريانو (مواليد 1750) وكاميلو (مواليد 1753). [2]

في عام 1749 ، انتقلت عائلة Goya y Lucientes إلى سرقسطة للعمل ، حيث اشتروا منزلاً قبل بضع سنوات. هنا كان الشاب فرانسيسكو قادرًا على الالتحاق مجانًا بكلية المدارس الأتقياء للآباء البياريين ، مما أكمل عملية مدرسية منتظمة إلى حد ما ولكنها ليست رائعة بشكل خاص: على الرغم من أنه كان يستطيع القراءة والكتابة والحساب دون الكثير من الصعوبات ، بدا الشاب غويا " لم يكن مهتمًا على الإطلاق بالأسئلة اللاهوتية والفلسفية ، لدرجة أن حياته المهنية كرسام كانت متواضعة: لم يكن غويا بأي حال من الأحوال مُنظِّرًا فنيًا »، على حد تعبير روبرت هيوز. [3] كان بالضبط في الكلية ، مع ذلك ، التقى غويا بمارتن زاباتر ، الذي أقام معه علاقة من الاحترام المتبادل والصداقة التي من المقرر أن تستمر بعمق ، كما يتضح من المراسلات الكثيفة التي أبقتهم مرتبطين طوال فترة حياتهم. الحياة. [4]

في هذه الأثناء ، أظهر الشاب غويا مهنة مبكرة للرسم والتلوين. شعر والده بميوله وإمكانياته ، فخصص ابنه لورشة الرسام المحلي خوسيه لوزان إي مارتينيز ، زميل تلميذ سوليمينا ومحاكي لوكا جيوردانو وبيترو دا كورتونا ، الذي رسم منه «سهولة كبيرة في اليد. ، سرعة عالية في التنفيذ وذوق معين للزخرفة وتناغم الألوان »(Pietro D'Achiardi). في المشغل ديل لوزان ، وهو رجل منتبه وواعٍ تجاه طلابه ، وجد غويا العديد من الرفاق (بما في ذلك فرانسيسكو بايو) وحقق تقدمًا كبيرًا وسريعًا ، حيث تعلم أساسيات رسم ونسخ مطبوعات سادة عصر النهضة الإيطالية والباروك. [5]

البدايات تحرير

في تحرير مدريد

عندما بلغ غويا السابعة عشرة ، بدافع من الرغبة في الرسم بشكل مستقل ، انتقل إلى مدريد بعد زميله فرانسيسكو بايو. كانت مدريد في ذلك الوقت مدينة غنية بالنشاط الفني ، وذلك بفضل العهد المستنير لتشارلز الثالث ملك إسبانيا ، الذي ركز على الفنانين ذوي الأسماء العظيمة ، أولاً وقبل كل شيء الكلاسيكي الجديد أنتون رافائيل مينج وحامل الشعلة من روكوكو جيوفان باتيستا تيبولو ، كلاهما نشط في موقع بناء Palacio Real. [6]

في مدريد ، حيث وصل عام 1763 ، تم تقسيم غويا بين نشاط دراسي مكثف وألعاب وترددات تمنحها مدينة كبيرة. في مدينة مدريد ، قضى غويا وقته في الحانات وهو يشرب ويلعب أو يغني غناء للفتيات الجميلات المحليات: لقد شارك أيضًا في العديد من المعارك ولإثبات جرأته لم يتردد في دخول كوادريلا مصارعي الثيران ، وذلك لتجربة مشاعر الحلبة. [7] ومع ذلك ، كانت هذه سنوات تكوين للفنان ، على الرغم من رفض المسابقة لأكاديمية الفنون الجميلة (حيث حاول دون جدوى التسجيل): في مدريد ، في الواقع ، كان غويا قادرًا على توسيع آفاقه التصويرية والبدء في تكوين توجهات شخصية للذوق ، أولاً وقبل كل شيء على اتصال مع أحواض بناء السفن Tiepolo و Mengs ولوحة Corrado Giaquinto. كانت المحاولة الثانية لدخول الأكاديمية في يناير 1766 غير ناجحة مرة أخرى بسبب الأداء الأفضل لرامون بايو ، شقيق فرانسيسكو ، الذي تم تعيينه عام 1767 لرسام غرفة الملك. على حد تعبير سيلفيا بورغيسي ، "الأخوان بايو ، اللذان نعرفهما اليوم ولا نتحدث عنهما إلا بحكم غويا ، كانا في وقتهما يأكلان التراب لمسافة جيدة من الطريق". [8]

في تحرير روما

عند وفاة تيبولو في عام 1770 ، قرر غويا الابتعاد عن مدريد والذهاب إلى روما على نفقته الخاصة ، مركز تلك الكلاسيكية التي كانت النموذج المرجعي لكل الثقافة الأكاديمية في ذلك الوقت. في وقت من الأوقات ، لم تكن تفاصيل كثيرة حول هذه الإقامة معروفة ، لأنه في ذلك الوقت كان غويا شبه مجهول: حتى أن كتاب سيرته الذاتية الأول افترض أنه وصل إلى إيطاليا بعد عصابة من مصارعي الثيران أو دبلوماسي روسي. [9] اكتشاف كواديرنو إيطاليانو من قبل الباحث الإسباني أرتورو أنسون نافارو ، ومع ذلك ، فقد سمح لنا بمعرفة أن الفنان أقام في بيل بايس من مارس إلى أبريل 1770 حتى يونيو 1771 ، لمدة أربعة عشر شهرًا. بعد أن صعد إلى الساحل إلى أنتيبس ، كان غويا قد توقف على عجل في تورين وميلانو وبافيا ، ثم استقل العبارة من جنوة إلى تشيفيتافيكيا ووصل أخيرًا إلى روما. [10] لقد كانت إقامة مثمرة للغاية: كما لاحظ بيترو دي أتشياردي ، المدينة الخالدة "في ذلك الوقت كانت حقًا مركزًا فنيًا رائعًا والجو المشبع بالثقافة والفن والرفاهية ، يشكل بيئة فريدة من نوعها في أوروبا ، في أمامها يبدو أن سرقسطة ومدريد يبدو أنهما إقليميان للغاية بالنسبة للفنان الشاب. إن المواكب الدينية الكبرى ، ومهرجانات الكرنفال ، وتنوع الأنواع والأزياء جنبًا إلى جنب مع آثار الماضي ، قدمت للفنانين رؤية لا تضاهى ومصدر إلهام لا ينضب ». [7]

في روما ، اقترب غويا من المستعمرة الإسبانية الكبيرة ومكث في منزل الرسام البولندي تاديو كونتز ، وهنا التقى أيضًا جيوفان باتيستا بيرانيزي ، نقاش البندقية في أوج شهرته ، والذي ترك بصمة عميقة على خيال الرسام الأراغوني. . في المدينة ، اقترب غويا أيضًا من أعمال هوبير روبرت ويوهان هاينريش فوسلي ، الوجود الغامض في قرن التنوير والذي كان بالفعل ، على عكس المثل الجمالية الجليلة للكلاسيكية الجديدة ، مقدمة للرومانسية. مستوحى أيضًا من الرسم السحري والرؤيوي لسلفاتور روزا في القرن السابع عشر ، كان غويا مدينًا بشكل كبير لمختلف دعاة سعفة ما قبل الرومانسية ، الذين مارسوا تأثيرًا لم تظهر عواقبه على الفور ، ولكنه سيعود إلى الظهور بعنف في بعض حلول النضج المتطرفة. [11]

بنفس القدر من الأهمية بالنسبة للفنان الشاب كانت غرف رافائيل ، وقبو كاراتشي في Palazzo Farnese ، وقبل كل شيء ، المذبح الرئيسي لكنيسة الثالوث المقدس للإسبان ، الذي أعدمه جياكوينتو ، الرسام الذي كان قادرًا بالفعل على الإعجاب به. دي visu في إسبانيا [12] من بين الفنانين المذكورين صراحةً في كواديرنوعلى أي حال ، هناك أيضًا Bernini و Veronese و Reni و Guercino و Maratta و Algardi و Rubens. [13] كان آخر عمل قام به غويا في إيطاليا هو إرسال لوحة كبيرة من فائز هانيبال الذي ينظر إلى إيطاليا لأول مرة من جبال الألب في المسابقة التي أقيمت عام 1771 في أكاديمية بارما بهدف تعزيز شهرته ، لكنه فشل في الفوز (على الرغم من حصوله على المركز الثاني المحترم). بعد ارتكاب عمل إجرامي (اختطف فتاة من تراستيفيري ، وحبسها أقاربه في دير ، واضطهدته الشرطة بسبب ذلك) ، بمساعدة مالية من السفير الإسباني ، عاد إلى سرقسطة في يونيو 1771. [7]

تحرير النجاح

بعد إعادته إلى وطنه ، تلقى غويا ، بناءً على الائتمان المكتسب من الرحلة إلى إيطاليا ، عمولة تزيين كنيسة نوسترا سينيورا ديل بيلار في سرقسطة في الهواء الطلق ، والتي أعقبتها لجان أخرى مرموقة بنفس القدر تمكن من توحيدها شهرته. في غضون ذلك ، تزوج الرسام جوزيفا ، أخت فرانسيسكو بايو. حفل الزفاف ، الذي تم الاحتفال به في 25 يوليو 1773 وتوج بميلاد أنطونيو خوان رامون كارلوس في عام 1774 ، لم يكن سعيدًا للغاية.في الواقع ، كان جوزيفا معروفًا بعدم الرضا في المظهر وكان له تأثير ضئيل أو معدوم على العاطفة. حياة جويا المنقطة بالعديد من العشاق. [8]

كان العام الحاسم بالنسبة لغويا على وجه التحديد 1774 عندما ، بفضل اهتمام فرانسيسكو بايو (الذي كان ، من بين أمور أخرى ، صهره) ، تم استدعاؤه إلى مدريد من قبل Mengs ، ثم مشرف الفنون الجميلة ، مع هذه المهمة تنفيذ الرسوم الكاريكاتورية لمصنع رويال سانتا باربرا للنسيج. حتى ذلك الحين ، تم تصنيع المفروشات وفقًا للأيقونات الفلمنكية ، وكانت نية Mengs توظيف الشباب الإسبان الذين كانوا قادرين على استخدام الطريقة المحلية. أنتج غويا ، بين عامي 1774 و 1792 ، ما يصل إلى ثلاثة وستين رسما كاريكاتوريا: كان نجاحهم مذهلا وضمنوا للرسام مكانة متزايدة باستمرار ، حتى بين الطبقات الأرستقراطية.

بفضل السمعة السيئة المكتسبة من المفروشات ، تم الترحيب بـ Goya في عام 1780 بـ "de mérito" في Real Academia de San Fernando ، مما أدى إلى إنشاء مقال مدخل المسيح المصلوب أكاديمي بحت (ربما اقترب غويا من التقليد حتى لا يعرض نفسه لمخاطر غير ضرورية ، معتبراً أنه قد تم رفضه مرتين بالفعل في تلك المنافسة). بعد دخول الأكاديمية ، بالتوازي مع صناعة المفروشات ، أنتج غويا أيضًا العديد من اللوحات الزيتية ، معظمها صور لنبلاء مختلفين في محكمة مدريد ، يتم تنفيذها دائمًا بتغلغل نفسي كبير. يستحق ذكر خاص ، بهذا المعنى ، صورة لدوقات أوسونا مع أطفالهم. [14]

في غضون ذلك ، بدأت الشهرة التي حققها غويا ترافقها اعتراف رسمي. تعيين أ بنتور ديل ري من جانب الملك الجديد ، تشارلز الرابع ، إنه مكتب تم تعيينه بالفعل إيلو تيمبور لرامون بايو ، الرسام نفسه الذي دخل الأكاديمية مكانه منذ سنوات. بفضل هذا التأهيل ، تمكن غويا أخيرًا من تتويج طموحاته للمشاركة في الحياة الاجتماعية للمحكمة الإسبانية ، وبالتالي إرضاء طبيعته النارية والحازمة: أصبح وجوده ، في الواقع ، الآن لا غنى عنه في حفلات الاستقبال والاجتماعات الباسلة المختلفة. حتى أنه ذهب إلى حد شراء عربة للتجول في شوارع مدريد ، وأقر لصديقه زاباتر أنه حضر حفلة موسيقية للملك مع أوركسترا بها أكثر من مائة آلة موسيقية ، حتى أنه قال: " من يرغب بشيء مني فهو يبحث عني ، وأجعل نفسي أريد المزيد ، وإذا لم يكن شخصًا ذا مكانة اجتماعية عالية ، أو بتوصيات من بعض الأصدقاء ، فلن أفعل شيئًا أكثر لأي شخص ». [15]

المرض والعلاقة مع تحرير كايتانا

حتى الأحداث السياسية المضطربة في ذلك الوقت لم تنجح في كسر شهرة غويا ، وهو الآن في ذروة حياته المهنية. في الواقع ، كان تشارلز الرابع يُعتبر عالميًا ملكًا غير كفء ، وحكم عليه من قبل نفس المحكمة "كملك أحمق" غير قادر على كبح جماح زوجته المثيرة للاهتمام ، ماريا لويزا من بوربون بارما. بينما تم طرد أصدقاء وحماة غويا المتعددين من أدوارهم ، وحرمانهم من السلطة وطردهم من البلاط ، احتفظ رسام أراغون بمنصبه باعتباره بنتور ديل ريوهكذا يستمرون في خدمة الملك. ومع ذلك ، لم يكن لدى غويا أي ثقة في حكومة الملك الجديد ، الذي انتهى في وقت قصير بالاستسلام لأحد محبي الملكة ، رئيس الوزراء مانويل جودوي. تعكس أعمال هذه الفترة أيضًا خيبة أمل غويا من الحكومة الجديدة ، وبنبرة ساخرة لاذعة ، شجبت تراجعالنظام القديم. [16]

شعورًا بالاضطهاد من هذا الوضع ، قرر غويا لفترة من الوقت مغادرة المحكمة والبقاء في الأندلس. في إشبيلية ، أصيب بمرض شرس أجبره على الفرار إلى قادس كضيف على صديقه سيباستيان مارتينيز. تشخيص هذا المرض غير معروف ، على الرغم من وجود إشارة صريحة في رسالة من Zapater موجهة إلى Bayeau لمرض "بسبب نقص التفكير" ، مما أدى إلى افتراض أنه مرض الزهري أو حتى التسمم من الرصاص المحتوي في أصباغ اللون (غويا ، في الواقع ، يستخدم لترطيب الفرشاة بفمه). [17] كانت عواقب هذا المرض مدمرة ، على أي حال: أجبر على النوم بسبب شلل وحشي ، وكان الرسام يعاني من صداع شديد واضطرابات بصرية ودوخة وأصبحت حالته الصحية خطيرة لدرجة أنه كان يخشى عليه حياته. أثناء التمكن من استعادة صحته (حتى بعد فترة نقاهة طويلة) ، أصيب غويا بصمم لا يمكن علاجه ، ولم يشف منه لبقية حياته.

على الرغم من أن مرض 1792-1793 لم يمنع بشكل دائم استخدام الفرشاة ، فقد خضع فنه لتغيير أسلوبي وموضوعي: سنتحدث عنه أكثر في الفقرة الأسلوب والموضوعات. في الوقت الحالي ، يكفي أن نعرف أنه ، بعد أن تخلى عن النغمات المبهجة للوحات السابقة ، أنتج غويا العديد من اللوحات الصغيرة ، ما يسمى كوادريتوس، حيث يتم تصوير أحداث تقشعر لها الأبدان مثل حطام السفن أو المصحات المجنونة. في هذه الأثناء ، عندما توفي صهره فرانسيسكو بايو في عام 1795 ، ورث غويا منصب مدير الرسم في الأكاديمية. في غضون ذلك ، لم يهمل الملذات الفكرية الأقل ، ونسج علاقة عاطفية سرية مع ماريا تيريزا كايتانا دي سيلفا ، دوقة ألبا البالغة من العمر 33 عامًا ، وهي واحدة من أروع وأغنى النساء في إسبانيا ، وحصلت على المرتبة الثانية في المكانة فقط. للملكة. غمرها السحر الجذاب للمرأة ، أمضت غويا معها مغامرات فظيعة ، ملتهبة بالحب والعاطفة: "لم يكن هناك شعر فيها لم يكن ينبعث من السحر" ، قال الرسام ، مؤلف من بين أشياء أخرى لصورتين من نفس دوقة ألبا. [18]

وحشية الرجل تحرير

ال أهواء يحرر

في تسعينيات القرن التاسع عشر ، وبعد أن عمل غويا بلا كلل ، نفذ عددًا كبيرًا من الصور التي تصور الأصدقاء والأقارب والنبلاء: لتخليد فرشاة الرسام الأراغوني سيباستيان مارتينيز ، الصديق الذي استضافه خلال سنوات مرضه ، شقيقه. -لاو فرانسيسكو بايو في صورة شخصية بعد الوفاة، والشاعر خوان ميلينديز فالديس ، والسفير الفرنسي في إسبانيا فرديناند غيليمارديت ، ومرة ​​أخرى زوجته جوزيفا وصديق الطفولة مارتين زاباتر. العمل الذي أبقى غويا أكثر مشاركة في السنوات الأخيرة ، مع ذلك ، كان مجموعة ضخمة من أهواء، وهي سلسلة من ثمانين نقشاً تصور ، بمفارقة لاذعة وقطعية ، "الرقابة على الأخطاء والرذائل البشرية ، والإسراف والحماقات المشتركة بين جميع المجتمعات المدنية" ، بهدف السخرية من القذارة السائدة في الطقس الإسباني. [19]

الطبعة الأولى من أهواء تم طرحه للبيع يوم الاثنين ، 6 فبراير ، 1799 في متجر للعطور والمشروبات الكحولية في Calle Desengaño. [19] على الرغم من أن غويا قد أعلن علنًا أن أي إشارة إلى الأشخاص الحاليين أو الأحداث الفعلية كانت مصادفة بحتة (وهو بالطبع ليس صحيحًا) ، إلا أن المجموعة قوبلت بالعداء من الأكاديمية ومحاكم التفتيش التي ، بسبب محتوياتها ، تجديفية علانية في 8 أغسطس سحب العمل من التداول. كانت شهرة غويا كنقاش في الغالب بعد وفاته. بين أهواء الأكثر شهرة ، على أي حال ، هناك بالتأكيد نوم العقل يولد الوحوش، ارتفع الآن إلى الحالة من الأيقونة. [20]

في عام 1799 ، وبفضل اهتمام صديقه القوي غاسبار ميلكور دي جوفيلانوس ، تم تعيين غويا بريميرو بنتور دي كاميرأ ، وبموجب هذا المؤهل ، رسم في عام 1801 صورة لمانويل جودوي للاحتفال بلقب الجنرال الذي حصل عليه الأخير بانتصاره على البرتغال. في جرد الأصول التي تعود ملكيتها إلى Godoy بعد بضع سنوات ، تم ذكرها الماجا فيستيدا هو Maja desnuda، صورتان توأمان مجهول التكليف ، ولكن تم تنفيذهما بالتأكيد بواسطة غويا بين عامي 1800 و 1803. [21]

كوارث الحرب يحرر

في هذه الأثناء ، استولى على إسبانيا بأكملها عدم استقرار جيوسياسي كبير ، والذي من الواضح أنه شمل أيضًا غويا. في الواقع ، تم فرض جوزيف بونابرت شقيق نابليون على العرش الإسباني: على الرغم من أن الشعب الإسباني لم يكن جديدًا على الملوك الأجانب ، فقد أثار هذا الحدث سخطًا كبيرًا ، والذي بلغ ذروته بعد ذلك في الثورة الشعبية المناهضة لنابليون في 2 مايو 1808 وما بعدها. حرب الاستقلال التي انتهت عام 1814 بعودة فرديناند السابع إلى العرش الأيبري. ومع ذلك ، كانت عواقب الصراع كارثية: فالقوات النابليونية ، في الواقع ، كانت مذنبة بارتكاب أعمال عنف وحشية ضد السكان المدنيين. خلال السنوات الرهيبة لحرب الاستقلال ، كان غويا يدين بشدة هذه الفظائع من خلال الرسم العملاق، دورة كوارث الحرب, محكمة محاكم التفتيش, دفن السردين, موكب السلاطين (يعمل حيث يقوم الرسام الأراغوني "بإصلاح الرجل وهو يصلح فراشة ، بدبوس ، يمسك به ، في الغالب ، في لحظات الجنون أو الشر" ، على حد تعبير الناقد ماكس كلينجر). إذن ، ستظهر دراما الثورة ضد نابليون بعنف خاص 2 مايو 1808 هو 3 مايو 1808، الأعمال التي تم إنشاؤها بعد استعادة النظام الملكي الشرعي لبوربون بهدف الاحتفال بالأعمال المجيدة لشعب مدريد ، الذي انتفض ضد القوات الفرنسية في هذين اليومين.

تعديل السنوات الماضية

في عام 1819 ، بعد أن فقد غويا امتيازاته وغادر المحكمة بعد الاستبداد الشرس لفرديناند السابع ، تقاعد في منزل ريفي في ضواحي مدريد ، على طول ضفة نهر مانزاناري ، مع شريكه ليوكاديا زوريلا ، التقى في عام 1805 آل زواج ابن خافيير. كان مكانًا مليئًا بالذكريات المثيرة ، حيث كان على طول ضفاف مانزاناري ، حيث بدأ حياته المهنية في شبابه كرسام يعمل على الرسوم الكاريكاتورية للتصنيع الملكي لمنسوجات سانتا باربرا. المكان الذي عمده السكان المحليون خامس الصم (الخامس، باللغة الإسبانية ، فهذا يعني المنزل الريفي) ، تحولت إلى أن تكون مرتعا للهواجس. في الواقع ، قام غويا بتزيين جدران المنزل بصور مخيفة ، مرسومة على الحائط: هم ما يسمى بينتوراس نيجراس (الدهانات السوداء). بعد أن انتكس إلى مرضه بين عامي 1819 و 1820 ، كاد غويا أن يموت ، ولم يهرب إلا بفضل الرعاية الحنونة والمختصة للدكتور أريتا ، الذي كرس له لوحة. [22] [23]

بمجرد أن تكون دورة بينتوراس نيجراسقرر غويا ، مستفيدًا من العفو الذي منحه فرديناند السابع لعمليات التطهير العامة ، مغادرة البلاد. للقيام بذلك ، طلب الإذن بالسفر إلى الخارج ، بحجة الذهاب إلى سبا Plombières لبعض العلاج ، وغادر إسبانيا على الفور وذهب بدلاً من ذلك إلى بوردو ، موطن مجموعة كبيرة من المهاجرين الإسبان الذين فروا من وطنهم هربًا من النظام الملكي. اضطهاد. بعد إقامة لمدة ثلاثة أشهر في باريس ، حيث زار متحف اللوفر والصالون وتناول الأعمال "الجديدة" لإنجرس وديلاكروا ، عاد غويا إلى بوردو مرة أخرى ، حيث انضم إليه أيضًا ليوكاديا. في بوردو ، استقر غويا في منزل على كور دو تورني ، وهنا أنهى سنواته بسلام ، حيث جرب تقنيات الطباعة الحجرية الجديدة وكرس نفسه للتدريس مع ابنته الصغيرة ماريا روزاريو ، وهي شخصية حقيقية إبداع الشقي. استولى عليه في 2 أبريل 1828 بالشلل ، وكان غويا قد مات في الليلة بين 15 و 16 أبريل ، عن عمر يناهز اثنين وثمانين عامًا. [24]

عانت رفات غويا من الاضطرابات والمصاعب التي تناسب أصحابها. تم دفن الرسام لأول مرة في بوردو ، في مقبرة شارتروز ، في قبر الأصدقاء الإسبان حيث استراح زوج زوجته بالفعل. بعد أكثر من خمسين عامًا ، في عام 1880 ، وصل القنصل الإسباني في بوردو ، بيريرا ، إلى قبره ، ووجده مهجورًا بشكل غير لائق وبدأ في حث الحكومة الإسبانية على إعادة عظام مواطنه المجيد. اضطر القنصل وأصدقاؤه للقتال حتى عام 1888 ، عندما يمكن أخيرًا استخراج الجثث من أجل النقل. ومع ذلك ، تم اكتشاف في هذه المناسبة أن الهيكل العظمي كان مفقودًا في الرأس (لم يُعرف أي شيء عنه). لذلك وقع مشروع النقل في حالة من الذعر البيروقراطي ، حيث ظل حتى عام 1899 ، عندما أعادت الاحتفالات بالذكرى المئوية الثالثة لميلاد فيلاسكيز إعادة تنشيط مشروع إعادة ما تبقى من غويا ، الذي تم دفنه في عام 1900 مع خوان ميلينديز فالديس ولياندرو فرنانديز دي موراتين و. خوان دونوسو كورتيس في نصب تذكاري خاص في المقبرة المقدسة في سان إيسيدرو ، مدريد. أخيرًا ، في عام 1919 ، تم العثور على بقايا غويا في مكان عزيز ومألوف له كثيرًا ، عند سفح مذبح كنيسة سان أنطونيو دي لا فلوريدا ، التي رسم قبتها الجدارية عام 1798. [25]

إن تعدد استخدامات الذوق الإبداعي لغويا يجعله فنانًا يصعب ملاءمته ضمن الآفاق الضيقة لتيار فني محدد. في الواقع ، تتأثر لوحات غويا بشكل مشترك بتطلعاته التنويرية والعقلانية وبواسطة الدوافع الرومانسية اللاعقلانية بالفعل. يدرك الفنان جيدًا ازدواجيته بين الشعور والعقل ، وبالتالي يقترح التغلب على المثالية النموذجية للأسلوب الكلاسيكي الجديد وتصوير مشاهد مأخوذة من الواقع اليومي أو من خياله الخيالي ، وبالتالي فتح الطريق للواقعية والرومانسية. بهذه الطريقة ينضج غويا أسلوبًا أصليًا ومستقلًا للغاية ، خالٍ من المخططات الأكاديمية وتحركه حرية تعبير كبيرة وشجاعة ، مليئة بالحيوية ، ولغة ساخرة بارعة.

الطريقة الواضحة تحرير

بعد الظهور الخجول والمؤسف في مدريد في الأيام الأولى ، كان غويا قادرًا على تقييم توجهاته الأسلوبية لأول مرة في عام 1771 عندما عاد من إيطاليا ، ورسم لوحة جدارية في شارتر هاوس لأولا داي ، بالقرب من سرقسطة ، مع قصص العذراء. في هذا العمل - وهو أول عمل مهم لرسام أراغون - يُظهر نفسه حساسًا جدًا للوحات كورادو جياكوينتو ، باستخدام لوحة ألوان مائية مفعمة بالحيوية ومتجددة الهواء وتوحيد معين بين التخطيطات ، وكلها على غرار النماذج الأصلية ولكن تم تنشيطها بفضل سهولة ضربات الفرشاة. اللوحات الجدارية في Aula Dei ليست سوى غير ناضجة وهامشية ، في الواقع ، هناك بالفعل تلك القوة الدرامية التي ستبلغ ذروتها في الخامس من الصم ، ومع ذلك ، فهي "على بعد سنوات ضوئية من Goya الناضج إذا استمر في الرسم في ذلك الطريق لم تدخل أبدًا في تاريخ كتب الفن ، لكن من الصحيح أنها نقطة تحول: هنا الحد الأقصى الذي يفعله غويا ضمن التقليد المستوعب »، كما لاحظت سيلفيا بورغيسي. [26] [27]

ظهرت علامات واضحة على التغييرات الأسلوبية في عام 1774 ، عندما بدأ غويا في التعاون مع مصنع النسيج الملكي في سانتا باربرا ، وهو صالة ألعاب رياضية مصورة أصيلة تمكن فيها الفنان من تجربة لغات إبداعية جديدة تحت غطاء غير ضار ، وبالتالي إطلاق الموانع و من "الشبكة التصويرية الأساسية" التي ظل مخلصًا لها لبقية حياته. في هذه الأعمال ، توظف غويا أسلوبًا فضفاضًا وحيويًا ، يتميز بالحداثة ، ولكنه رصين جدًا (سمة ، من ناحية أخرى ، متوافقة مع احتياجات صناعة المفروشات ، والتي تتطلب أشكالًا مبسطة ومنمقة). وبدلاً من ذلك ، فإن نقطة الارتكاز الموضوعية لهذه المفروشات هي "Majismo" المأخوذة من ماجوس و من ماجاس من الفولكلور الإسباني وتسليةهم الخلابة ، التي تناولتها بشكل غريب حتى الطبقات الأرستقراطية. Questa predilezione per le figure del popolo, d'altronde, era conforme alla destinazione finale degli arazzi, atti ad ornare le sontuose dimore dei regnanti spagnoli, i quali ovviamente preferivano temi piacevoli, distensivi, proprio come quelli proposti dal majismo. [28] È interessante, in tal senso, riportare il giudizio di Juan J. Luna, secondo il quale la maniera goyesca negli arazzi è «eminentemente pintoresca y colorista, poblada por majos y manolas y por todo tipo de gentes de rompe y rasga, chisperos, vendedores ambulantes, muchahos y niños, que se divierten, bailan o juegan en ambientes campestres, evocadores del Madrid del último cuarto del XVIII». [29] Notevole, infine, anche l'indagine luministica condotta da Goya negli arazzi, che si concentra su una luce che, disintegrando i volumi in particelle molecolari, definisce lo spazio per effusione atmosferica, senza ricorrere alla prospettiva per descrivere la disposizione reciproca degli oggetti. [30]

La maniera scura Modifica

Un totale cambiamento di stili e temi si ebbe con la misteriosa malattia del 1792-1793, doloroso spartiacque dell'esistenza di Goya. Questo drastico mutamento tematico, oltre che dalle drammatiche vicende personali, gli fu imposto anche dal grande sconvolgimento politico sofferto in quegli anni dall'Europa, segnata dall'ascesa al trono di Carlo IV, uomo inetto subentrato al ben più illuminato Carlo III, e dagli eventi legati alla Rivoluzione Francese e alla successiva epopea napoleonica. Ebbene, nel 1792 Goya abbandonò i toni distesi della gioventù e approdò a uno stile onirico, visionario, facendosi interprete della parte «nera», dannata, dolorosa dell'essere umano e rendendola con «chiaroveggenza di sonnambulo» (José Ortega y Gasset). Interessante l'accostamento operato dal critico Jean Starobinski tra la figura di Goya e quella di Beethoven:

«Nel 1789 Goya è destinato a un'evoluzione che lo allontanerà dallo stile dei suoi esordi. Non solo per la sordità comparsa dopo la malattia del 1793, egli è vicino a Beethoven: ma anche per la straordinaria trasformazione stilistica attuata in pochi decenni. Questi due artisti chiusi nella solitudine sviluppano nella loro produzione un mondo autonomo, con degli strumenti che l'immaginazione, la volontà e una sorta di furore inventivo non cessano di arricchire e di modificare, al di là di ogni linguaggio preesistente»

Questa «maniera scura», per così dire, trovò la sua prima espressione nei cuadritos, undici piccoli dipinti dove Goya si accosta ad «un'arte intima, in cui però la violenza e la tragedia [trovano] un'espressione tanto possente», come osservato da Pierre Gassier. Goya in queste sperimentazioni tratta un'ampia rosa di soggetti, scegliendo di raffigurare scene di naufragio, interni di manicomio, incendi, assalti di briganti, persone ottenebrate e, generalmente, eventi brutali e tragici, tradendo la presenza di una lacerazione spirituale destinata a non rimarginarsi. In tal senso i cuadritos preludono i Capricci, opere in cui Goya inizia a riconoscere la progressiva abdicazione del raziocinio illuminista in favore delle istintuali e violente pulsioni dell'animo umano. Per dirla con le parole di Silvia Borghesi, in questo stadio «Goya ci appare come l'ultimo pittore del Settecento, egli getta ancora il guanto di sfida alla ragione nel terreno dell'irrazionale, corteggia l'incubo minaccioso, lo aizza con gesti da torero, ma è ancora padrone dell'arena». [31]

Prendendo consapevolezza della potenza delle virulente forze dell'inconscio e degli istinti, Goya traccia una strada che verrà seguita da numerosi artisti, come Ensor, Munch e Bacon e persino da letterati e filosofi (si pensi a Poe, Freud, Baudelaire). [32] La visione onirica e suggestiva dei Capricci avrebbe poi lasciato il posto alla materia cronachistica, grottesca dei Disastri della guerra, ciclo dove l'occhio indagatore di Goya si sofferma sulle barbarie perpetrate durante la guerra d'Indipendenza, denunciandone il perverso dilagare della violenza ai danni di soldati catturati e del popolo inerme. [33] Questa visione decisamente pessimistica dell'uomo, accompagnata da una scrupolosa indagine sul lato oscuro della ragione, avrebbe poi trovato il suo culmine nelle Pitture Nere, dove l'oggetto della spietata attenzione di Goya è il grande e cosmico trionfo del male e la sostanziale incapacità dell'uomo di intervenire sull'esito del proprio fato, inevitabilmente destinato a rivelarsi tragico.

È significativo ricordare che queste opere sorgono da un'interferenza tra ragione e follia, che in quanto tale non vede Goya allinearsi con una sola delle due facce della medaglia. Goya, infatti, capisce che eros e thanatos sono aspetti unilaterali dell'esistenza umana, che li comprende e sintetizza entrambi, e per questo motivo sono ineliminabili e, anzi, persino legati tra di loro da una continuità dialettica. Goya, in tal senso, si mostra sedotto sia dalla parte buona che da quella malvagia dell'essere umano: è in questa prospettiva che egli intuisce che non conviene eliminare la parte «nera» e aberrante dell'uomo che, anzi, può anche esercitare un fascino segreto e irresistibile, senza tuttavia finire schiavo del culto illuminista della ragione. [34]

Di seguito è riportato un elenco parziale delle opere di Francisco Goya:

  • Consacrazione di san Luigi Gonzaga come patrono della gioventù, 1763, olio su tela, 127×88 cm, museo di Saragozza, Saragozza
  • Ballo sulle rive del Manzanarre, 1777, olio su tela, 272×295 cm, museo del Prado, Madrid
  • La passeggiata in Andalusia, 1777, olio su tela, 275×190 cm, museo del Prado, Madrid
  • Il parasole, 1777, olio su tela, 104×152 cm, museo del Prado, Madrid
  • L'aquilone, 1777-1778, olio su tela, 269×285 cm, museo del Prado, Madrid
  • L'altalena, 1779, olio su tela, 260×195 cm, museo del Prado, Madrid
  • Le lavandaie, 1779-1880, olio su tela, 218×166 cm, museo del Prado, Madrid
  • La famiglia dell'Infante Don Luis di Borbone, 1783, olio su tela, 248×330 cm, fondazione Magnani Rocca, Parma
  • Le fioraie, 1786-1787, olio su tela, 277×192 cm, museo del Prado, Madrid
  • La vendemmia, 1786-1787, olio su tela, 275×190 cm, museo del Prado, Madrid
  • Il muratore ferito, 1786-1787, olio su tela, 268×110 cm, museo del Prado, Madrid
  • La moscacieca, 1788-1789, olio su tela, 269×350 cm, museo del Prado, Madrid
  • Ritratto dei duchi di Osuna con i figli, 1788, olio su tela, 225×174 cm, museo del Prado, Madrid
  • Il fantoccio, 1792, olio su tela, 267×160 cm, museo del Prado, Madrid
  • Ritratto di Maria Antonia Dorotea Gonzaga, 1795 ca., olio su tela, 87x72 cm, museo del Prado, Madrid
  • Ritratto della duchessa de Alba, 1795, olio su tela, 194×130 cm, collezione de Alba, Madrid
  • Ritratto della duchessa de Alba in nero, 1797, olio su tela, 210×148 cm, Hispanic Society of America, New York
  • Il sonno della ragione genera mostri, 1797, acquaforte, 23×15,5 cm, Biblioteca Nacional de Espana, Madrid
  • Il grande caprone, 1797-1798, olio su tela, 44×31 cm, museo Lázaro Galdiano, Madrid
  • La lampada del diavolo, 1797-1798, olio su tela, 42×32 cm, National Gallery, Londra
  • Luis Gonzaga, 1798, olio su tela, 261x160 cm, Museo di Saragozza, Saragozza
  • Caprichos, 1799, ciclo di acqueforti
  • Ritratto di Maria Luisa di Parma, 1799-1800, olio su tela, 204×125 cm, Museo nazionale di Capodimonte, Napoli
  • Ritratto di María Luisa de Borbón y Vallabriga, 1800 circa, olio su tela, 220×140 cm, Uffizi, Firenze
  • La famiglia di Carlo IV, 1800-1801, olio su tela, 280×336 cm, Museo del Prado, Madrid
  • Maja vestida e maja desnuda, 1800 circa, olio su tela, 95×190 cm, Museo del Prado, Madrid
  • Il colosso (?), 1808 circa, olio su tela, 116×115 cm, museo del Prado, Madrid
  • Majas al balcone, 1808-1814, olio su tela, 116×115 cm, Metropolitan Museum of Art, New York
  • L'acquaiola, 1808-1812, olio su tela, 82×68 cm, Museo di belle arti, Budapest
  • L'arrotino, 1808-1812, olio su tela, 82×68 cm, Museo di belle arti, Budapest
  • Il manicomio, 1812-1814, olio su tavola, 45×72 cm, Real Academia de San Fernando, Madrid
  • La sepoltura della sardina, 1812-1814, olio su tavola, 82,5×52 cm, Real Academia de San Fernando, Madrid
  • Il 2 maggio 1808, 1814, olio su tela, 266×345 cm, museo del Prado, Madrid
  • Il 3 maggio 1808, 1814, olio su tela, 266×345 cm, museo del Prado, Madrid
  • Visione fantastica, 1819-23, museo del Prado, Madrid
  • Goya curato dal dottor Arrieta, 1820, olio su tela, 115×79 cm, Institute of Arts, Minneapolis
  • Duello rusticano, 1820-1821, olio su muro trasportato su tela, 123×336 cm, museo del Prado, Madrid
  • Cane interrato nella rena, 1820-1821, olio su muro trasportato su tela, 134×80 cm, museo del Prado, Madrid
  • Il sabba delle streghe, 1821-1825, olio su muro trasportato su tela, 140×438 cm, museo del Prado, Madrid
  • Il pellegrinaggio a San Isidro, 1821-1823, olio su muro trasportato su tela, 140×438 cm, museo del Prado, Madrid
  • Saturno che divora i suoi figli, 1821-1823, olio su muro trasportato su tela, 146×83 cm, museo del Prado, Madrid
  • La lattaia di Bordeaux, 1827-1828, olio su tela, 74×68 cm, museo del Prado, Madrid


Frammenti di memoria di Silvia, una bambina senza stella

Immaginate di trovarvi in una stanza. Alle pareti sei quadri che raffigurano campagne della Lombardia, dissimili tra loro piщ di quanto possa pensare un osservatore neutro. Paesi chiusi in una sorta di stato originario che non conosce tempo, con sullo sfondo, non molto lontana, una cittа avvolta dai bagliori della guerra e in ciascuno dei dipinti la stessa bambina, mai al centro del dipinto, anche se quanto la circonda prende forma da ciт che i suoi occhi vedono e la sua mente costruisce con le rare gioie e le molte sofferenze scaturite da un dolore “che non cade mai in prescrizione”. Eppure sul suo volto mai si legge rassegnazione, ma solo voglia di capire, di essere amata, di amare.

Non altrimenti si puт definire l'ultimo libro di Silvia Vegetti Finzi. L'autrice e protagonista lo confessa sin dalle prima pagine: darт voce a frammenti di memoria, a lampi d'oscuritа di un passato “che nessuno ha mai raccolto in un album di famiglia”. Solo una spiegazione, doverosa: la bambina и “senza stella” perchй non и stata marchiata con la stella giudaica, costretta tuttavia ad affrontare un precoce abbandono in forza delle persecuzioni razziali.
Nasce cosм tra Silvia e la bambina (cosм chiamata per sottrarla all'egocentrismo dell'autobiografia) un dialogo che sovrappone, in un gioco di specchi, i ricordi di episodi e la riflessione “talora psicanalitica”.

Dolore, lontananza, indifferenza, disamore costituiscono i colori di fondo dei quadri appena citati, realizzati durante la guerra entro la quale una famiglia vive, lacerata e annientata, una duplice tragedia. Tuttavia, se mai la bambina indossa alcuno dei vestiti che rendono gioiosa l'infanzia, non puт essere ritratta con colori cupi. C'и in lei una forza, una luce, che sprigiona dallo stato di necessitа che le и stato imposto, dalla necessitа di prendersi cura di sй, di diventare grande utilizzando la potenzialitа delle sue risorse.

“Aiutami a fare da solo” и il trasparente messaggio che l'autrice rivolge a quanto circondano di eccessi protettivi che manipolano, sino a sostituirli, i figli.
In quella stagione della vita, Silvia, protagonista e autrice, si addentra senza traccia di memorie precise: “La storia della bambina non trova un inizio: prima non c'era, poi c'и e, in mezzo, un vuoto che puт essere solo sommariamente ricostruito”. И proprio questo incedere attraverso lampi che illuminano zone d'ombra senza apparente importanza, a rendere la narrazione densa di significati, il “non svolgimento” che si fa trama, perchй la vita и un filo conduttore meraviglioso che non necessitа di grandi eventi, ma di eventi, unici e irripetibili, i nostri.

И una storia di formazione particolare quella che ci propone con vivido linguaggio: “Non c'и spazio per la tenerezza nй tempo per la confidenza – confessa - i sentimenti erano rinviati alla fine del conflitto: l'amore per i bambini abita in tempi di pace”.

Eppure il rapporto con la mamma lascia una traccia di rimpianti che non trova e non puт trovare compimento. Chi и la donna con l'aspetto da cinema, dalle mille incombenze, che lei chiama mamma, con il marito rimasto prigioniero in Africa? La bambina prende atto che il termine mamma vale per suo fratello, ma non per lei. Ne ricava persino vantaggi per la sua formazione, ma lascia inevaso un naturale bisogno d'amore. Un anelito che la induce a ricordare, con incanto, una musica malinconica della sua giovinezza: “Sola me ne vo' per la cittа, passo tra la folla che non sa, che non vede il mio dolore, cercando te, sognando te, che piщ non ho…”.

Siamo all'ultima curva, alla memoria del silenzio, quando la bambina scopre in un armadio, tra le pieghe della biancheria, le foto dei campi di sterminio. “Frammenti di esistenze - commenta - che nessuno ha collegato in una narrazione capace di conferire senso storico e significato morale”. Un non detto che lascerа nella bambina un sentimento perenne di allarme e di pericolo: “Come insegna Freud, le esperienze buttate fuori dalla porta della mente, rientrano nella finestra del corpo”.

Esiste dunque rimedio? Che cosa serve per essere felici? Silvia Vegetti Finzi ci ricorda che la piщ efficace risposta viene attribuita a Freud: “Memoria corta e buona salute”.

Una bambina senza stella
di Silvia Vegetti Finzi
Pagg. 229, euro 18,50, Rizzoli editore


Memorie di un mercante di quadri

  • ISBN: 978-88-6010-071-9
  • Anno: 2012
  • Pagine: 320
  • Formato: 15,5 x 23 cm
  • Illustrazioni: 16 b/n
  • Prezzo: 25,00 €

Scritti in prima persona a mo’ di aneddoti sul suo esordio nel mestiere, i ricordi del leggendario mercante di quadri hanno il merito di restituirci l’atmosfera di un mondo ormai scomparso.
Siamo nella Parigi di fine Ottocento, i pittori “rifiutati” si impongono, a poco a poco, come principali attori della scena su cui muove i primi passi il giovane Vollard. Sbarcato nella capitale per proseguire gli studi di Diritto, non tarda ad abbandonare la toga per frequentare librerie e bancarelle, dove scova stampe e disegni a buon mercato che saranno i suoi primi materiali di scambio. Dotato di uno spregiudicato senso per gli affari, ha anche l’indispensabile fiuto per capire da che parte tira il vento: fa visita alla vedova di Manet, e torna a casa con un’intera raccolta di disegni del maestro stringe amicizia con Renoir, Degas e soprattutto Pissarro, di cui segue i consigli rastrella lo studio di Cézanne, poi quelli di Vlaminck, Derain e Picasso assume una posizione coraggiosa nel mercato d’avanguardia esponendo van Gogh e Gauguin.
Con grande audacia Vollard salta dalla pittura, alle stampe, ai libri e diversifica così il lavoro, il suo e quello degli artisti intorno a sé. Unendo due vecchie passioni, la letteratura e la grafica, diventa editore di libri d’arte di gran pregio, illustrati dai pittori ed esposti insieme ai dipinti nella stessa bottega di rue Laffitte. L’epoca è propizia per chi ha una galleria nella “strada dei quadri”, centro di gravità per mercanti e collezionisti dove è facile imbattersi in Matisse, Renoir, Degas, Redon, Apollinaire, Jarry, spesso ospiti delle indimenticabili cene alla Cantina Vollard. È nel corso di tali serate che l’anfitrione tende il suo “orecchio da mercante” per registrare ogni battuta e poterci trasmettere, con la straordinaria verve della presa in diretta, dialoghi e tranches de vie dei più grandi artisti dell’epoca. Sono loro i veri protagonisti delle sue memorie, eppure il lettore coglierà, fra le righe, un’immagine precisa dello stesso Vollard, il mercante di quadri per eccellenza, senz’altro il più immortalato, come dimostrano gli innumerevoli ritratti eseguiti dai pittori del suo entourage, alcuni dei quali riprodotti nelle pagine di questo libro.

Ambroise Vollard è considerato uno dei più importanti mercanti d’arte francesi del ventesimo secolo e una delle figure mitiche del mondo dell’arte europea.

Nato nel 1866 a Saint-Denis, nell‘isola della Réunion, si trasferisce in Francia per proseguire gli studi in giurisprudenza ma a Parigi svilupperà la sua passione per la pittura e aprirà la sua famosa galleria, nel 1893. Mercante d’arte, gallerista, editore e scrittore, ha lanciato e supportato artisti del calibro di Paul Cézanne, Aristide Maillol, Pablo Picasso (di cui Vollard curerà la prima mostra), Pierre-Auguste Renoir, Georges Rouault, Paul Gauguin e Vincent Van Gogh e tra i suoi clienti più illustri si ricordano Albert C. Barnes, Henry Osborne Havemeyer, Gertrude e Leo Stein.

Appassionato di letteratura, diverrà editore di famosi volumi illustrati dai grandi artisti, principalmente poesie, e di incisioni e litografie realizzate dagli artisti. Diverrà anche autore di biografie di Cézanne, Degas e Renoir.

Muore nel 1939, a settantatré anni, in un incidente d’auto.

Premessa. La prima volta che mi dissero di scrivere i miei ricordi

1. Dall’isola della Réunion alla facoltà di Diritto di Montpellier

2. Il mio arrivo in Francia. Prime impressioni

8. Amatori e collezionisti

9. Al Louvre davanti all’Olympia di Manet

10. Da Meissonier al Cubismo

11. Alcuni personaggi che ho conosciuto

12. Ambroise Vollard, editore e autore

16. Divento un proprietario terriero

17. Un personaggio singolare: Eugène Lautier


La sottile linea d'ombra

Se pensate al Romanticismo nell’arte, anche a voi vengono in mente cimiteri invernali, cieli dai colori sgargianti e scene di solitudine o amore contrastato?

Io sono convinta che si tratti di uno dei movimenti artistici più visivi e d’impatto dell’Ottocento, ma che allo stesso tempo per capirlo sia necessario andare oltre questa sua forte valenza estetica, per scoprire come dallo smisurato Illuminismo si sia finiti in un piccolo mondo fiabesco e interiore che celebra un passato idealizzato.

Iniziamo allora da qui, dal contesto storico e culturale che porta alla nascita del Romanticismo.

Siamo tra la fine del Settecento e la metà dell’Ottocento, la rivoluzione industriale sta iniziando gradualmente a trasformare il mondo e nello stesso tempo i governi di tutta l’Europa cercano di giustificare, mantenere e poi ripristinare e loro imperi assolutisti. In questa società in forte crisi, i pittori e scultori di corte si riparano dietro ad un classicismo fatto di ninfe e miti greci, guardandosi bene dal riprodurre la realtà.

Il presente non dà soddisfazioni, così una nuova generazione di scrittori e artisti inizia a cercare un conforto nella natura e nell’individualismo, cominciando a studiare le emozioni umane nella loro intimità e potenza e ad enfatizzare il mondo esterno nei suoi momenti più intensi, fatti di temporali e orizzonti sconfinati. Sturm und Drang dunque (tempesta e impeto), ed il Romanticismo è nato.

Capace di abbracciare la pittura, la letteratura e la filosofia, questo lessico si coniuga benissimo in tutte le discipline artistiche e in tutti i territori che lo conoscono. Allo stesso tempo, in ogni Paese europeo cambia di qualcosa e si avvicina alla realtà locale, nutrendosi degli ideali dei popoli e delle tradizioni storiche del loro passato.

Dopo questa introduzione, ecco cinque capolavori del Romanticismo che ci permetteranno di vedere in pratica quanto detto sinora in teoria e di scoprire le varie sfaccettature che compongono un movimento artistico così variegato.

1. Caspar David Friedrich, Il viandante sul mare di nebbia, 1818

Partiamo dal padre del Romanticismo, il tedesco Caspar David Friedrich, e da quello che è il suo capolavoro, uno dei quadri più conosciuti della storia dell’arte.

La scena riprodotta ne Il viandante sul mare di nebbia mi ricorda i migliori momenti vissuti nelle passeggiate in montagna, quando finalmente, dopo tanta fatica, ci si affaccia su un panorama sconfinato e bellissimo, che visto dall’alto riempie il cuore di una felicità pura e senza tempo.

Ma un dipinto così celebre non racconta un’unica piccola storia. Partiamo quindi dall’inizio, osservando il visibile, se così si può dire.

Il centro prospettico, geometrico e percettivo della composizione è occupato da un solitario viaggiatore che, dandoci la schiena e con tanto di capelli scompigliati dal vento, rimira un paesaggio montano e misterioso, quasi completamente nascosto dal mare di nebbia. Non è l’unico quadro in cui Friedrich utilizza l’espediente del protagonista di schiena, per favorire l’immedesimazione, così come in molti casi utilizza una prospettiva centrale molto marcata.

Quello della riproduzione di un luogo realmente esistente è quindi il primo livello di interpretazione. Come già accennato, l’emozione che suscita nell’animo degli amanti della montagna è il secondo livello, quello capace di stimolare un’emozione sopita nella nostra mente, di ricondurci a momenti precisi del nostro passato.

Infine, esiste una terza dimensione, quella che trasforma le sensazioni di una singola persona nella condizione di tutta l’umanità, della civiltà che osserva incantata e pietrificata la natura in tutti i suoi momenti, dai più tragici ai più lieti, aspirando al sublime.

Questa visione racchiude tutto il sogno romantico ed il desiderio di innamorarsi del mondo intorno a noi, di quel mondo puro non ancora intaccato dal tocco umano. La fama del Viandante sul mare di nebbia risiede proprio nel suo potere evocativo e nella forza comunicativa che trasmette con immediatezza all’osservatore.

Se volete proseguire l’approfondimento dedicato a questo quadro così famoso, ecco il link ad un post a tema: Perché il viandante sul mare di nebbia di Friedrich è considerato un inno al Romanticismo?

2. Eugène Delacroix, La Libertà che guida il popolo, 1830

Dopo l’emblema del Romanticismo tedesco, passiamo ad un famosissimo capolavoro francese, La libertà che guida il popolo, un dipinto che mostra un’altra faccia di questo movimento artistico, l’esaltazione dei valori di una determinata nazione.

Siamo nel 1830 e Eugène Delacroix espone al Salon quest’opera per celebrare a ricordare la lotta per la libertà dei Francesi in occasione della Rivoluzione.

La tecnica è accademica (anche se molto più vibrante nelle pennellate rispetto ai suoi predecessori) e la composizione è studiata nei minimi dettagli, così come i contenuti sono volutamente evocativi e, per dirla con un termine in voga oggi, sicuramente anche un po’ populisti. Vediamo infatti tutte le classi sociali unite dalla lotta comune (un popolano, un militare e un borghese) e guidate dalla personificazione della libertà, una ragazza fiera a seno scoperto, con la bandiera francese in una mano e un fucile nell’altra.

L’energia della Marianna è tale da invogliare lo spettatore e da costituire così un invito all’azione e allo stesso tempo una celebrazione dell’orgoglio nazionale e della forza di un popolo, aspetto che caratterizza il Romanticismo non solo in Francia, come vedremo.

3. Joseph Mallord William Turner, Tempesta di neve. Battello a vapore al largo di Harbour’s Mouth, 1842

Ci spostiamo adesso in Gran Bretagna, dove il Romanticismo gode di una grandissima fortuna sia in letteratura sia in pittura e dove possiamo rimirare i dipinti di uno dei miei artisti preferiti di sempre, Joseph Mallord William Turner , longevo e prolifico artista di corte, viaggiatore e disegnatore d’eccezione, mano che ha saputo rappresentare meglio di chiunque altro il Regno Unito prima che diventasse un vero e proprio impero, prima di Vittoria insomma.

Per questo grande artista il Romanticismo è la chiave di rappresentazione del mondo circostante e soprattutto della grandezza degli elementi atmosferici. Viaggia per l’Europa e si perde a rappresentare i ghiacciai, le montagne, i tramonti sul mare, le tempeste e tutti quei momenti in cui la natura diventa sublime.

Scegliere tra le sue opere è stata un’impresa ardua, ma ho voluto inserire in questa galleria un dipinto che mostra in pieno l’esito della sua ricerca, una tempesta di neve in cui il battello, che teoricamente sarebbe l’elemento principale dell’opera, si vede appena.

La luce è la vera protagonista, mentre l’impeto del soggetto si riflette anche nelle pennellate, che non sono più delicate, limate e quasi impercettibili, come ci hanno abituato altri suoi quadri soprattutto precedenti, ma vigorose e ricche di significato.Turner non si accontenta di procedere per velature, ma accompagna le sapienti sfumature a punti in cui il colore è applicato denso e direttamente sulla tela.

4. Francisco Hayez, Il bacio, 1859

Dopo il Romanticismo inglese, arriviamo finalmente in Italia, dove questa corrente si interseca con i principi del Risorgimento e con la ricerca di un’unità nazionale e di un passato comune, quello del Medioevo.

Francesco Hayez è stato il massimo esponente del Romanticismo storico italiano e, senza dubbio, il Bacio è uno dei suoi quadri più famosi, un’opera a prima vista un po’ stucchevole, ma che va analizzata nel suo contesto.

Il Bacio è infatti stato concepito negli anni cruciali del Risorgimento e per la precisione in concomitanza con la Seconda guerra d’Indipendenza, quando vittorie come quelle di Magenta, Solferino e San Martino aprono finalmente le porte all’agognata Unità d’Italia.

Un po’ di tutto questo fervore invade anche le atmosfere di questo romanticissimo abbraccio. Il significato di questo meraviglioso quadro di Hayez, però, probabilmente va anche oltre la rappresentazione di un momento di passione. I due protagonisti, in abiti medievali, sono intenti a scambiarsi un bacio appassionato e furtivo, che è stato da subito interpretato come l’addio all’amata da parte di un cospiratore o di un volontario. Il giovane ha, infatti, il volto coperto, un piede sul primo gradino, pronto alla fuga, e la spada legata in vita, come per doversi difendere.

Sulla sinistra del dipinto, poi, un’apertura buia serve a conferire un maggiore senso di inquietudine, mentre un’ombra sullo sfondo ci avverte della presenza di qualcun altro che non viene specificato: potrebbe infatti trattarsi di un nemico senza volto come di una domestica.

Insomma, anche se in maniera decisamente più velata rispetto a Delacroix, anche qui siamo di fronte ad un invito all’azione, a battersi per gli ideali del proprio popolo.

5. Frederic Edwin Church, Cascate del Niagara (lato americano), 1867

Infine, ci spingiamo fino agli Stati Uniti, dove il Romanticismo è portato avanti da una generazione di pittori tra cui il più interessante forse è Frederic Edwin Church, un artista errante, un esploratore che in primavera sente il richiamo della natura e parte per un lungo viaggio, alla ricerca di soggetti da disegnare e da trasformare in quadri nell’inverno successivo.

Questo grande pittore ci mostra dunque tutto ciò che i pionieri hanno probabilmente avuto davanti agli occhi, traducendolo in chiave romantica e raccontandoci i grandi spazi vuoti che lasciano la natura come unica protagonista, un mondo vasto e disabitato che noi Europei difficilmente immaginiamo.

Si dedica ai grandi paesaggi selvaggi che stanno iniziando a lasciare spazio alla civiltà, così da immortalarli prima che scompaiano, e si avventura sino a raggiungere e superare le Cascate del Niagara, la cui monumentale e minuziosa riproduzione è il quadro che ho scelto di proporre. C’è tutta la grandezza romantica della natura e, allo stesso tempo, la piccolezza delle personcine che si affacciano a contemplarla (sulla sinistra), che ci aiutano a comprendere la dimensione enorme del salto d’acqua.

Se volete scoprire qualcos’altro su questo talentuoso artista americano, ecco il link ad un post dedicato a lui: Frederic E. Church: storia e opere di un artista romantico ed esploratore americano

Insomma, oggi abbiamo guardato insieme 5 quadri che all’apparenza possono sembrare diversissimi, ma che allo stesso tempo hanno la capacità di descrivere de varie sfaccettature del Romanticismo, un movimento artistico affascinante e profondo. Spero che questa esplorazione vi sia piaciuta e, siccome da queste parti si parla spesso di questo movimento, vi saluto con il link ad una serie di articoli a tema, cliccando qui!


Video: درفت نيسان سيلفيا 98. فورزا هورايزن 3


المقال السابق

تجفيف 8 بتلات - بذر وغرس وصيانة -

المقالة القادمة

التوت الأبيض من عائلة التوت - خصائص وميزات الزراعة